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Prix
Biographies / Monographies
-
David, Michel-Ange : Enquête sur une disproportion
Erri De Luca
- Gallimard
- Livres D'Art
- 16 Avril 2026
- 9782073158291
«C'est là que Michel-Ange arrête l'image de la pose qu'il a en tête, dans la vallée de personne, entre les hauteurs de deux camps. David est calme, il attend le silence et qu'aucun vent ne puisse dévier la trajectoire de son tir.» Erri De Luca livre ici une méditation poétique sur de la figure de David. Entre le jeune berger des Écritures et le colosse de marbre sculpté par Michel-Ange, il fait le récit d'une disproportion, avec toute la puissance évocatoire de son style. Ce récit double de l'initiation d'un futur roi et de la métamorphose de la matière invite à un dialogue inédit entre texte et images.
-
Michel-Ange/ Rodin
Chloé Ariot, Marc Bormand
- Gallimard
- Découvertes Gallimard
- 23 Avril 2026
- 9782073158116
Michel-Ange (1475-1564) et Auguste Rodin (1840-1917) ont, l'un et l'autre, révolutionné l'art de la sculpture occidentale. Bien que quatre siècles les séparent, ils partagent des préoccupations artistiques communes : représenter le corps non comme simple forme, mais comme expression de la vie. L'énergie et la vitalité qui se dégagent de leurs oeuvres renouvellent largement le langage plastique. Présenter les affinités de ce couple d'artistes permet de comprendre comment chacun, à son époque, a modifié les codes de la sculpture en ouvrant la voie à un art moderne.
-
Calder : Rever en équilibre ; À la fondation Louis Vuitton
Collectif
- Beaux Arts Éditions
- Album Exposition
- 15 Avril 2026
- 9791020410641
C'est au tour de la figure d'Alexander Calder (1898-1976), l'un des grands pionniers de la sculpture moderne, que la Fondation Louis Vuitton se consacre.
Ingénieur de formation, il a introduit le mouvement réel dans la sculpture, donnant vie à des oeuvres légères et poétiques en perpétuel équilibre.
Issu d'une famille d'artistes, Calder découvre très jeune le plaisir du bricolage. Après des études d'ingénierie, il s'installe à Paris en 1926, où il crée son célèbre Cirque Calder, miniature animée de fil de fer et de tissu, véritable laboratoire de son art. Ses dessins dans l'espace, sculptures en fil de fer, puis ses mobiles - nommés ainsi par Duchamp - révolutionnent la sculpture en alliant art, mécanique et hasard. Plus tard, ses stabiles monumentaux imposent sa vision dans l'espace public. Entre précision d'ingénieur et fantaisie d'inventeur, Calder a fait de la sculpture un art du mouvement, de la joie et de la liberté.
Beaux Arts Éditions revient sur cet artiste qui mêlait habilement rigueur d'ingénieur et fantaisie d'artisan, humour et poésie ; et sur ses oeuvres, à la croisée de l'art et de la physique, traduisant une vision cosmique du monde : un univers en mouvement, équilibré et libre, où l'art devient un jeu de forces et de souffle. -
Rodin ; les mains du génie
Hélène Pinet
- Gallimard
- Découvertes Gallimard
- 26 Novembre 2009
- 9782070348770
« Il a été, tour à tour, le supplice et l'exaltation de la Volupté, la douleur de la Vie, la terreur de la Mort avec l'Enfer ; la voix de l'Histoire, avec les Bourgeois de Calais ; le fracas de l'Élément avec Victor Hugo ; l'Humanité multiple avec Balzac », s'enthousiasme l'écrivain Octave Mirbeau. En effet, Auguste Rodin ose tout. Sa créativité, ses capacités de travail sont sans limites. Après 1900, la gloire enfin venue, l'artiste voit défiler dans son atelier du Dépôt des marbres, admirateurs et belles admiratrices, disciples et assistants. Souvent considéré comme le dernier sculpteur inscrit dans la tradition occidentale de la représentation du corps, Rodin annonce sans conteste l'art du XXe siècle par son usage de l'accidentel, du fragment et de l'assemblage.
Spécialiste des archives de l'artiste, Hélène Pinet restitue le parcours d'un génie qui sut magnifier l'humain. -
Cette monographie sur le sculpteur François Pompon est proposée pour le centenaire de son fameux Ours blanc. Inédite dans le paysage éditorial, elle retrace l'histoire et l'oeuvre de l'artiste. L'ouvrage comprend deux parties, agrémentées des livres de comptes de Pompon : une biographie illustrée bilingue, suivie du répertoire des oeuvres.
Résolument moderne, François Pompon a vivifié l'art animalier du début du XXe siècle, par sa conception originale de
la forme et l'émotion produite. Il consacra pourtant la plus grande partie de sa vie à exécuter des compositions pour d'autres sculpteurs, jusqu'au jour où il se mit à l'étude des animaux par choix et par goût. En s'inspirant des principes de l'Antiquité tout en remettant en question les conventions de la statuaire traditionnelle, il créa un style réaliste, suggestif
et simplifié. L'Ours blanc porta la carrière du sculpteur à son apogée et en est aujourd'hui, le symbole.
Pompon représente l'animal dans son quotidien, pour lui-même et sans mise en scène. Il trouve l'équilibre entre
réalisme, vérité et abstraction de détails inutiles. Les surfaces sont polies et rondes, conduisant à une beauté apaisante et compréhensible au premier regard. Résultat d'un long travail manuel et expérimental, cet élan créateur mène François Pompon vers de nouveaux chefs-d'oeuvre sublimant le monde animalier. Ours, sanglier, -
Cet ouvrage retrace cinq siècles de sculpture à travers le travail de 300 artistes femmes venues de 64 pays. Les sculptrices rassemblées ici sont représentatives de multiples mouvements, genres et techniques, mais ont pour point commun leur imagination et leur créativité sans faille. Troisième volet d'une collection en réponse à l'essai fondateur de Linda Nochlin paru en 1971 « Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes artistes femmes ? », le présent ouvrage célèbre la vie et l'oeuvre de celles qui ont mis la sculpture au centre de leur art. La sculpture défie toute catégorisation. Qu'elles soit temporaires ou permanentes, installées en intérieur ou à l'extérieur, de petite ou de grande dimension, qu'il s'agisse de sculptures ou de moulages, d'assemblages ou d'installations in situ, qu'elles soient faites de marbre, de bois, de textile ou de céramique, les oeuvres de cet ouvrage révèlent l'immense talent artistique des femmes qui ont adopté ce médium marqué par sa plasticité. Parmi les artistes présentées ici, certaines ont créé des oeuvres sculpturales alors même qu'on leur refusait de se former ou qu'elles n'avaient pas les moyens de rendre visible leur travail, d'autres ont été négligées par l'histoire, d'autres encore ont été reconnues de leur vivant. Ensemble, elles racontent une version plus diverse de l'histoire de la sculpture. Présentant les sculptrices par ordre alphabétique, Sculpture au féminin invite à établir entre les artistes et les oeuvres de nouveaux liens et des juxtapositions surprenantes qui dépassent les classifications chronologiques ou géographiques. Chaque artiste est présentée par un texte explicatif illustré d'une oeuvre clé. Cet ouvrage met à l'honneur de grandes figures de la sculpture, historiques et contemporaines, ainsi que des étoiles montantes, afin de témoigner de la créativité des femmes artistes du passé tout en proposant des perspectives aux générations futures.
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Les sculptures de Michel-Ange : Le vrai, l'incertain et le faux
Jean-René Gaborit
- Faton
- 5 Décembre 2025
- 9782878443479
L'intérêt de l'oeuvre sculpté de Michel-Ange est souvent éclipsé par celui de ses fresques, peintures et dessins. Si les "Esclaves", le "David", la "Pietà" du Vatican, le "Moïse" et, peut-être, la "Pietà" de Milan sont présents dans l'esprit du grand public, d'autres sculptures du Maître sont, en revanche, négligées ou ignorées : le fait que Michel-Ange, sculpteur, a souvent fait appel à des collaborateurs, la « redécouverte » très médiatisée d'oeuvres perdues ou ignorées, les attributions hypothétiques ou justifiées déconcertent et découragent trop souvent les amateurs, chercheurs ou passionnés d'Histoire de l'art... Ce livre, somme de cinquante années de recherches et d'observations, tente de répondre à leurs questions, en abordant sous un nouvel angle les sculptures de Michel- Ange. Il s'attache à rappeler l'historique de chacune, sa genèse et ses avatars, ses particularités techniques, en précisant ce que l'on sait des interventions des collaborateurs, mais aussi en signalant l'emprise exercée au cours des siècles sur d'autres sculpteurs, suscitant copies, démarquages, imitations inconscientes ou délibérées et il permet une nouvelle approche, plus concrète et plus claire, du génie de Michelangelo Buonarroti, qui se disait avant tout sculpteur.
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L'exposition et son catalogue retraceront le parcours hors du commun de cet artiste italien, prince russe de naissance, parisien d'adoption qui mène parallèlement une brillante carrière aux Etats-Unis. Porté par un grand talent de portraitiste, il est recherché par une élite cosmopolite, les célébrités, le tout Paris, jusqu'aux premières stars du cinéma américain. Sa vie est ponctuée de rencontres et d'amitiés décisives avec des hommes de lettres, Tolstoï en Russie, Georges Bernard Shaw à Paris, avec lesquels il partage un mode de vie végétarien, assez inhabituel pour l'époque. Au-delà des portraits qui ont fait sa réputation, l'exposition mettra aussi en lumière sa sculpture animalière, ainsi que ses travaux étonnants en rapport avec la cause animale dont il était, avant l'heure, un fervent défenseur. Enrichie grâce aux prêts exceptionnels du museo del Paesaggio de Verbania abritant son fonds d'atelier, l'exposition sera l'occasion de présenter une partie de ce fonds, légué au musée après sa mort. Elle invitera à porter un regard neuf sur sa pratique et sur son style si reconnaissable. La manière dont Troubetzkoy travaille ses modèles par petites touches pleines d'énergie qui, dans les tirages en bronze, accrochent et font vibrer la lumière sur la surface du métal, posera clairement la question de l'impressionnisme en sculpture. Les visiteurs découvriront ainsi un artiste sensible et moderne, particulièrement subtil dans sa capacité à rendre la fluidité des corps, l'énergie du mouvement et la force des caractères. Son oeuvre, qui s'inscrit entre la fin du XIXe et le début du XXe siècle, livrera par ailleurs une image pleine de vie de la Belle Epoque. Le catalogue de l'exposition sera également l'occasion de publier le premier ouvrage en français sur ce sculpteur qui a pourtant passé une partie de sa vie à Paris.
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Othoniel Cosmos ou les fantômes de l'amour
Jean-Michel Othoniel, Colin Lemoine
- Actes Sud
- Arts
- 2 Juillet 2025
- 9782330206208
Ce livre, écrit par Colin Lemoine et imaginé par Jean-Michel Othoniel, est conçu à la fois comme un guide et une fiction au conditionnel. Prenant pour point de départ les oeuvres de l'artiste qui seront exposées à l'été 2025 en Avignon, il mêle les pas des visiteurs à ceux de Pétrarque et Laure, convoquant les vers du Canzoniere que le poète italien dédie à son amour perdu, pour en faire le fil rouge de la visite.
Illustré d'aquarelles et de dessins préparatoires, le texte, littéraire et pensé comme un jeu de piste, accompagne le lecteur à travers vingt-cinq stations qui composent le parcours de cette exposition inédite. Accompagné d'un plan, le livre, de petit format, détourne le genre du guide pour devenir oeuvre poétique, invitant lecteurs et visiteurs au songe et à l'émerveillement. -
Se détachant de l'académisme, Auguste Rodin (1840-1917) a su faire vibrer le marbre et le bronze pour donner à ses figures une expressivité nouvelle. L'ensemble des passions humaines sont traduites avec force dans des sculptures intenses, parfois sensuelles. Novateur également dans sa manière de travailler, Rodin " construit " ses oeuvres en assemblant différents éléments de plâtre les uns avec les autres, essayant sans cesse d'inventer de nouvelles formes. Véritable génie, expérimentateur insatiable, Auguste Rodin a ouvert la voie à la sculpture moderne.
Languages : Fr. En.
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Breaking away from academicism, Auguste Rodin (1840-1917) knew how to make marble and bronze vibrate to give his figures a new expressiveness. All the human passions are forcefully translated into intense, sometimes sensual sculptures. Innovative also in his way of working, Rodin "builds" his works by assembling different plaster elements with each other, constantly trying to invent new forms. A true genius and insatiable experimenter, Auguste Rodin opened the way to modern sculpture. -
En mai 2025, la Malmaison, Centre d'art contemporain et bâtiment emblématique de la croisette à Cannes, invite Jean-Michel Othoniel pour une exposition inaugurale, après deux ans de travaux de rénovation. L'ouvrage Poussière d'étoiles, qui s'inspire de l'or des étoiles déchues, en est le catalogue d'exposition. En hommage à la puissance contemplative du verre, l'exposition de Jean-Michel Othoniel explore les jeux de lumière, de matière et d'échelle. Inspiré par la nature, l'artiste déploie une série de sculptures qui, dans un mouvement entre la précision mathématique et la délicatesse poétique, captivent l'oeil et l'esprit. Sculptures aux reflets infinis, transcendance de l'or, éblouissement de la lumière, une certaine idée de la beauté parcours l'exposition et les 90 oeuvres qui la composent. « Poussière d'étoiles » invite à une exploration à la recherche du merveilleux, perdu dans notre monde réel. Un texte de Claude Arnaud, écrivain, essayiste et biographe, accompagne le travail de Jean-Michel Othoniel.
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L'ouvrage Brancusi ou l'anonymat du génie paraît pour la première fois en 1967 aux éditions Méridiane, à Bucarest. Hommage à l'oeuvre du sculpteur roumain, il présente plus d'une centaine de photographies réalisées par Dan Er Grigorescu, photographe fasciné par l'art de ce maître de la modernité.
Reprenant le format album de la première édition, le présent ouvrage a puisé dans les archives exceptionnelles de Dan Er Grigorescu, qui durant trois décennies, entre 1964 et 1967, photographia les célèbres sculptures de Brancusi dans son atelier ainsi que celles de l'ensemble monumental de Târgu Jiu, petite ville du centre-ouest de la Roumanie. La vision très graphique de l'espace, les jeux d'ombre et de lumière, la plongée dans la matière et la sobriété des images de Grigorescu restituent l'abstraction plastique des sculptures de Brancusi. Fasciné par les arts traditionnels roumains, le sculpteur conjugue éléments vernaculaires et motifs modernes. Ainsi, le motif du rhombe (losange en volume) présent dans l'art populaire roumain comme ornement architectural prend toute son ampleur dans la Colonne sans fin , l'une des trois pièces de l'ensemble de Târgu Jiu, avec la Porte du baiser et la Table du silence . Réalisées entre 1937 et 1938, ces oeuvres, disposées sur un axe de près d'un kilomètre de long, composent un ensemble exceptionnel, toujours conservé aujourd'hui, et témoignent de l'importance de la fusion entre l'art et la nature chez Brancusi. L'atelier était perçu par l'artiste comme " un tout organique autonome " : le site de Târgu Jiu concrétise cette vision architecturale et organique de la sculpture. Avec ses prises de vue en série, ses images saisissant sous des lumières et des angles différents des oeuvres désormais iconiques du XXe siècle, cet album offre un nouveau regard sur l'artiste. -
Camille Claudel est une « icône » qui fascine toujours. Voici enfin la grande biographie non romancée de l'artiste à l'existence singulière, pleine de paradoxes et de contradictions, dont on croyait tout connaître.
Mais si la relation avec son frère adoré Paul a été abondamment commentée, que sait-on de Louise, la jeune soeur détestée ? De sa mère, Louise Athanaïse, avec laquelle elle a une relation compliquée ? De son père, Louis Prosper, trop peu présent ?
Loin des poncifs, Claude Pérez s'en tient au plus près de ce qu'a été sa vie. Mobilisant, avec la rigueur de l'historien, la totalité des archives existantes, il cerne au plus près les singularités de Camille Claudel : ses amours avec Rodin, bien sûr, mais aussi ses liens avec d'autres artistes, son antisémitisme, les circonstances polémiques de son internement. Il interroge enfin l'ensemble de son héritage artistique. Car si elle a été sculptrice, elle a aussi été
peintre et dessinatrice de grand talent. Et nous livre les réflexions inédites et pertinentes de Camille Claudel elle-même sur son oeuvre.
Un portrait fascinant, lucide et sans concession. -
« Toutes mes sculptures, même les plus imaginées, partent toujours de quelque chose de vrai, d'une vérité organique.
L'imagination a besoin de départ. On peut ainsi déboucher de plain-pied dans la poésie. J'invente plus facilement en regardant la nature, sa présence me rend indépendante. » Germaine Richier, née le 16 septembre 1902 à Grans (Bouches-du-Rhône), et morte le 31 juillet 1959 à Montpellier (Hérault), est une sculptrice française.
L'oeuvre de Germaine Richier est représenté dans de nombreux musées français et étrangers et particulièrement :
- Antibes, musée Picasso.
- Montpellier, musée Fabre.
- Paris, musée national d'Art moderne, Centre Pompidou.
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Auguste Rodin : Une renaissance moderne
Collectif
- Éditions Snoeck
- Beaux Arts
- 16 Mai 2024
- 9789461619020
L'exposition présentera une soixantaine de sculptures et autant de dessins, de peintures et de gravures. Les oeuvres seront mises en regard, dans un dialogue inédit, avec celles des artistes qui l'ont marqué pendant son séjour en Belgique. La Belgique est le berceau rodinien, c'est là que l'artiste naît à lui-même. Les six années d'expatriation en Belgique entre 1871 et 1877 doivent être considérées comme séminales pour l'artiste. Il change alors de statut : d'ouvrier- artisan au service de Carrier-Belleuse, il devient un artiste pleinement indépendant. Mais la Belgique c'est aussi le pays où se tient sa première exposition personnelle, en 1899, une exposition itinérante qui débute à Bruxelles. Rodin est alors en pleine possession de ses moyens : l'année suivante d'ailleurs il n'hésitera pas à faire construire un pavillon place de l'Alma à Paris pour y présenter l'ensemble de son oeuvre au public attiré par l'Exposition universelle. L'exposition de Mons se propose de mettre en lumière son cheminement artistique pendant cette période d'environ 25 ans au terme de laquelle il apparaît à la fois comme l'une des figures majeures du panorama artistique parisien et le précurseur du XXe siècle.
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Chiharu Shiota
Andrea Jahn, Christelle Pelissier-Roy, Denise Wendel-Poray
- Skira Paris
- Art Moderne Et Contemporain
- 13 Décembre 2024
- 9782370742636
Née en 1972 à Osaka et vivant en Allemagne depuis 1997,
l'artiste plasticienne Chiharu Shiota commence par étudier
la peinture au Japon. Sa première installation « Becoming
Painting », qu'elle réalise en Australie. Elle marque le début
d'une oeuvre protéiforme qui combine performance, body
art et installations pour questionner, à partir d'une émotion
individuelle forte, des notions universelles telles que le
temps, le rêve, la mort et les relations humaines.
Ses installations à travers le monde sont presque
toujours temporaires, destinées à être expérimentées
puis remémorées : l'émotion du spectateur constitue une
partie intrinsèque de son travail. La présence du corps,
prépondérante dans ses premières performances, est
peu à peu remplacée par des objets qui sont comme
l'extension, annonçant ce qui constitue le thème central
de toutes les oeuvres de Chiharu Shiota : l'existence dans
l'absence, la trace qui provoque la mémoire. Ainsi, ses
toiles immenses, noires, blanches ou rouge sang, révèlent
les connexions invisibles entre les individus, qu'elles soient
nouées, emmêlées, coupées, attachées ou étirées.
Ce livre constitue non seulement une rétrospective
des installations de Chiharu Shiota, mais il se propose
également d'interroger son identité personnelle pour
comprendre sa trajectoire artistique. Cela est d'autant plus
primordial que Chiharu Shiota s'inspire de ses propres
émotions et d'événements marquants de sa vie pour
penser ses oeuvres. La perspective biographique de cet
ensemble de « milestones » permet donc d'appréhender
et de comprendre bien plus profondément la démarche
créatrice de l'artiste. -
Tout en ancrant sa pratique dans la continuité de l'art antique et de la Renaissance, Auguste Rodin (1840-1917) a ouvert la voie à la sculpture moderne. Loin de respecter les codes iconographiques classiques, il s'intéressa, très tôt, au mouvement, à l'expression du corps, à l'accident et au fragment ; donnant vie et forme à des chefs-d'oeuvre pour lesquels il est universellement reconnu, comme en témoignent des icônes telles que Le Baiser ou Le Penseur.
Réalisé en collaboration avec le musée Rodin, cet ouvrage revient sur les années de formation du maître comme sur les étapes les plus essentielles de sa carrière. La genèse des oeuvres et des monuments est retracée d'un point de vue historique mais aussi esthétique afin de mieux comprendre les liens qui existent entre toutes ses créations. Passage du plâtre au marbre, travail sur la terre cuite, agrandissements et assemblages : le lecteur est invité à découvrir, de l'intérieur, l'atelier de Rodin et à ressentir toute la puissance et la poésie de son geste créateur ; geste riche en innovations et en transgressions dont les dessins érotiques de Rodin portent également la marque.
Source d'inspiration intarissable pour plusieurs générations d'artistes, Rodin a su transmettre sa passion pour l'observation de la nature, la saisie du vivant et la vérité des formes avec une force inégalée. C'est à la découverte ou la redécouverte de cet inestimable héritage que le livre de François Blanchetière s'attache avec succès. -
Jean-François Jaussaud a rencontré Louise Bourgeois en 1994 dans son atelier de Brooklyn. Passé au crible de ses questions, le photographe est finalement adoubé par l'artiste. Un premier rendez-vous a lieu au printemps 1995, mais à une seule condition : détruire les images si celles-ci ne lui plaisent pas...
Jaussaud accepte et passe le « test ». Il obtient alors carte blanche pour photographier librement l'atelier et la maison de Chelsea. Il reviendra pendant onze ans.
Ces images rares montrent l'une des plus grandes artistes contemporaines dans son intimité, au coeur de son oeuvre. -
Arman 1975-2005, dirigé par Chiara Spangaro et réalisé par le Studio Celant en collaboration avec les Arman Archives à New York, présente le travail de recherche et la production artistique des trente dernières années de la vie d'Arman.
L'ouvrage, qui suit et complète la monographie Arman 1954-1974 dirigée par Germano Celant (2020), retrace le parcours professionnel et l'oeuvre de l'artiste franco-américain au fil d'une narration inédite qui analyse l'évolution de sa pratique et le renouvellement tenace des séries qu'il conçoit, comme New Accumulations, Shooting Colors, Dirty Painting, Atlantis, Accumulations de collections, Emersions et Sandwich Combos, pour n'en citer que quelques-unes.
Après une introduction de la directrice de l'ouvrage, le lecteur découvrira les contributions inédites de Cécile Debray, de Rosemary O'Neill et de Jérôme Sans qui viennent approfondir, à travers un regard critique contemporain, certains aspects particuliers du travail d'Arman tels que ses actions, son approche globale, son expansion monumentale ou encore l'influence de l'artiste sur les générations qui lui succèdent. La monographie s'enrichit d'une chronologie illustrée, consacrée à la vie professionnelle et personnelle d'Arman, qui met en lumière les événements créatifs, les expositions et les oeuvres qui ont marqué les trente dernières années de son cheminement dans l'art, ainsi que leur destin critique, en les replaçant dans leur contexte historique et artistique. Les annexes scientifiques complètent le volume. -
Cette monographie sur la vie et l'oeuvre d'Alberto Giacometti (1901-1966) s'appuie sur l'analyse de plus de 500 de ses sculptures, peintures, dessins, gravures et lithographies, ainsi que sur ses écrits théoriques et sur ses déclarations. Elle présente également le contexte historique, artistique et culturel de sa vie. Nouvelle édition brochée.
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Alina Szapocznikow. Langage du corps
Collectif, Sophie Bernard
- Lienart
- Monographies
- 2 Octobre 2025
- 9782359064759
Héritière aussi bien du surréalisme que du mouvement pop, la sculptrice polonaise Alina Szapocznikow, née en 1926, rescapée des camps d'extermination nazis et décédée en 1973 d'un cancer du sein, évoque le corps à travers ses sculptures. En centrant ainsi son oeuvre sur le corps humain, elle exprime à travers lui la fragilité de nos existences.
En seulement deux décennies, Szapocznikow élabore son oeuvre sculpturale et graphique avec virtuosité. Par son exploration de nouvelles méthodes sculpturales et l'expérimentation de matériaux nouveaux, tels que la résine de polyester et la mousse de polyuréthane, elle contribue de manière considérable au réexamen de ce médium.
De ses allusions ironiques à la production de masse et à la société de consommation émergent des assemblages de fragments corporels sensuels et troublants. Des moulages de ses lèvres et de sa poitrine constituent des «?lampes érotiques?» ou sont drapés de façon provocante dans des coupes en verre, interrogeant ainsi la place et le rôle de l'artiste femme dans la société des années 1960. Ce rapport direct au corps et à la malléabilité du matériel prend une autre forme dans ses Photosculptures dans lesquelles elle met en scène des objets faits de chewing-gums, modelés directement dans la bouche et photographiés comme des sculptures traditionnelles.
Durant sa maladie, son travail se focalise de plus en plus sur la mémoire, les traumas et la finitude. Elles produit des oeuvres évoquant les tumeurs qui prolifèrent en elle et témoignant de l'inébranlable indépendance, du courage et de la vitalité artistique d'Alina Szapocznikow. C'est seulement quatre décennies après son décès prématuré à 47 ans que son oeuvre, déjà célébrée de son vivant dans son pays d'origine, la Pologne, connaît une reconnaissance internationale méritée. -
Louise Bourgeois est par excellence la femme-couteau, la femme sculpteur, celle qui découpe, tranche, cisaille, mais aussi celle qui incarne l'ambivalence féminin-masculin : la protection et la menace, la fragilité et la force, la tendresse et la violence.Née en 1911 à Paris, et ayant vécu à New York de 1938 jusqu'à sa mort en 2010, elle est devenue, après une reconnaissance tardive, l'une des artistes les plus emblématiques du XXe siècle. Son oeuvre polymorphe, composée de peintures, gravures, dessins,sculptures, installations, est profondément autobiographique et échappe à toute classification esthétique. En réactivant les souvenirs et les traumatismes de son enfance, Louise Bourgeois donne forme et corps à ses émotions, créant une oeuvre organique, sensuelle et érotique, dont le thème essentiel est la femme-maison. «La sculpture est le corps et mon corps est une sculpture.»Cette biographie ne retrace pas seulement le parcours d'une grande artiste, sa formation, ses influences ; c'est aussi le récit d'une vie de femme exceptionnelle, ayant connu les deux guerres, l'exil, épouse d'un célèbre historien de l'art, et mère de trois enfants. Elle s'appuie sur les archives personnelles inédites de l'artiste, ses journaux intimes, sa correspondance, ses écrits psychanalytiques, ainsi que sur ses interviews et des entretiens avec ses proches.
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Quand on voyage dans l'ABCdaire, le plaisir d'apprendre fait ricochet
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Alberto Giacometti : Ne pas parler des sculptures peintes
Collectif
- Éditions Fage
- 23 Août 2024
- 9782849757765
« Il ne faut pas parler de sculptures peintes seulement de sculptures, la couleur fait partie de la sculpture. » Lettre d'Alberto Giacometti à Pierre Matisse (15 octobre 1950)
Le désir, ou le besoin, d'associer la peinture à la sculpture apparaît de manière récurrente chez Alberto Giacometti et sous différentes formes au cours de sa carrière. Très tôt, il utilise son pinceau pour « animer » certaines de ses sculptures, il peint les traits du visage, les cheveux, accentue les formes du corps, rehausse les volumes. Ses outils et ses gestes de peintre sont appliqués à la sculpture, et vice-versa. Très peu connues du public, ces sculptures peintes de Giacometti font pour la première fois l'objet d'une étude dévoilant cette part secrète et émouvante de la production de l'artiste.
