Le «female gaze» en histoire de l'art existe-t-il et en particulier sur le nu ? Il semble établi qu'il n'ait pas existé : les femmes n'ont pas eu accès aux cours de nu... n'ont pas osé... n'ont rien à dire... Ou n'est-ce pas le contraire ? N'est-ce pas nous, collectivement, qui n'avons pas su et ne savons toujours pas regarder le nu vu par les femmes ? Du XVI? au XX? siècle, l'ouvrage retrace l'histoire de l'art et replace les nus de ces artistes femmes dans leur temps. Hildegarde von Bingen, Artemisia Gentileschi, Imogen Cunningham, Paula Modersohn-Becker, Suzanne Valadon, Amrita Sher-Gil, Tarsila do Amaral, Faith Ringgold, Martha Rosler, Cindy Sherman, Louise Bougeois, Alice Neel sont quelques-unes des nombreuses artistes à avoir représenté le corps nu, chacune à leur époque, grâce à leur talent mais aussi leurs connaissances anatomiques bien réelles. Le nu vu par les artistes femmes pose également la question de l'appropriation d'un corps si souvent pensé uniquement comme étant représenté par les hommes, selon des traditions européennes et hétéronormées. Et si les femmes portaient tout simplement un autre regard sur la nudité ? Lire la suite Fermer

Le paradis existe. Ténu, fragile, unique dans l'univers, jusqu'à preuve du contraire. Ce phénomène est né de la confrontation de l'énergie d'une étoile, le Soleil, avec les forces telluriques de notre planète. Certains scientifiques le nomment Zone critique. C'est en résidant dans les îles polynésiennes du Pacifique que j'ai récemment pris conscience de l'extrême minceur et de la grande vulnérabilité de ce minuscule espace habitable à la surface de la Terre qui accueille depuis des milliards d'années l'évolution du vivant auquel nous appartenons. Inspirées de cette merveilleuse explosion de biodiversité terrestre et marine, mes peintures sont autant de visions. L'ensemble des oeuvres présentées ici forme un hommage au paradis terrestre. Titouan Lamazou

Dupe de rien, sûre de l'art et d'elle-même, « motivée par l'émotion de la vie », la peintre et dessinatrice Suzanne Valadon (1865-1938) a créé une oeuvre où la vérité du quotidien et des corps se manifeste avec audace et empathie. Autodidacte devenue une figure emblématique de Montmartre et de la modernité artistique, elle a inventé un langage visuel que cet ouvrage restitue au plus près de ses oeuvres, soulignant ses apports trop longtemps méconnus à l'histoire de l'art et des représentations.

Cet ouvrage convie le lecteur à une promenade au coeur des jardins, à travers les époques et de par le monde, en compagnie des guides passionnants que sont Monique Mosser, historienne de l'art, et Gilles Clément, le jardinier « planétaire », l'inventeur du « jardin en mouvement », dont les réalisations traduisent la philosophie.

Conçu pas à pas sur le vaste terrain des prestigieuses collections de la BnF, ce livre se dessine en quatre grands parterres : le jardin, lieu de création, où l'on aborde l'histoire des formes du jardin ; le jardinier, artiste et artisan du jardin ; le jardin, sous l'oeil du jardinier, où l'on se penche sur ce qui y pousse et comment ; le jardin, allées et venues, qui nous ouvre aux usages et aux usagers du jardin. Enluminures, dessins, estampes, affiches ont été sélectionnés comme autant de plantes pour l'orner. Sur un dernier cahier, Mirabelle Croizier, architecte du patrimoine, et Antoine Quenardel, paysagiste-concepteur, nous présentent Hortus papyrifer, le jardin-oeuvre d'art qu'ils ont conçu avec Gilles Clément pour la BnF sur le site Richelieu, à partir d'espèces utilisées dans l'élaboration de supports d'écriture. Si dans les rayonnages de ses magasins, l'institution renferme un jardin de papier insoupçonné, Hortus papyrifer met en scène un florilège végétal de possibles ouvrages. Lire la suite Fermer

Peu d'activités unissent autant les différentes cultures que la contemplation du ciel. Depuis l'Antiquité et par-delà les frontières, le cosmos fascine, il est une source inépuisable d'émerveillement et d'inspiration pour un grand nombre d'artistes. Cet ouvrage propose un voyage stupéfiant dans l'espace, à travers les créations artistiques les plus diverses : des statues gréco-romaines aux oeuvres contemporaines, des enluminures médiévales aux peintures surréalistes, des stèles mésopotamiennes aux gravures de la Renaissance et des mythologies occidentales aux légendes orientales. Hildegarde von Bingen, Johannes Vermeer, Caspar David Friedrich, Vincent Van Gogh, Claude Monet, Henri Matisse, Georgia O'Keeffe : la galerie du ciel étoilé est infinie à parcourir.

Par les sérigraphies ou dessins qu'il colle sur les murs des villes, Ernest Pignon-Ernest met en évidence ce qui s'y voit comme ce qui ne s'y voit plus. Pour provoquer la pensée et la mémoire, il cite El Greco comme Le Caravage, Luca Giordano comme Rubens ou Ingres. Ces citations sont des détails de leurs oeuvres qu'il récupère ou "corrige", qu'il "traduit" pour que, sur telle ou telle façade, ils trouvent la place qui devait être la leur. Les dessins d'Ernest Pignon-Ernest ouvrent des parenthèses dans les murs pour que s'éveille la conscience.

« Prune Nourry est plus qu'une grande artiste. Elle est également psychologue, sociologue et anthropologue, puisant dans sa compréhension de l'Histoire et de l'humanité pour créer de l'art qui nous relie à notre passé et les uns aux autres. » George Lucas

L'artiste soulève des questions éthiques liées à la notion d'équilibre au sens large : le corps et son processus de guérison, le déséquilibre démographique dû à la sélection du genre et les dérives scientifiques, les écosystèmes et l'interdépendance entre les espèces vivantes. Les oeuvres qu'elle produit associent sculpture, installation, performance et font souvent l'objet de rituels, parfois d'enfouissement ou de disparition, qu'elle documente avec des photographies et des vidéos. Ses projets, internationaux, découlent de rencontres avec des spécialistes, généticiens, sociologues, anthropologues ou archéologues, qui, comme l'artiste, sont souvent « guidés » par la sérendipité, ou l'art de faire une découverte par hasard lors de recherches sur un autre sujet.

La terre, sa matière de prédilection, est au coeur de la pratique de Prune Nourry, son point d'ancrage. Elle collabore avec de nombreux artisans qui lui permettent d'explorer d'autres matériaux et de nouvelles techniques. En Chine, par exemple, elle crée une « armée de filles » en terre cuite avec des artisans locaux, les Terracotta Daughters, inspirée des guerriers de Xi'an. Véritable colonne vertébrale de son travail sur près de 20 ans, elle est exposée autour du monde entre 2013 et 2015, de Shanghai à Paris en passant par Zurich, New York et Mexico, avant d'être ensevelie en Chine dans un lieu qui sera tenu secret jusqu'à son excavation en 2030.

Elle construit fin 2022 au Château La Coste une sculpture architecture troglodytique, une femme enceinte allongée sur le dos émergeant du paysage, Mater Earth, qui a nécessité la participation de 80 personnes issues de 14 corps de métiers différents. Cette installation pérenne, dont les fondations sont en pierres et la structure en briques de terre crue et cuite, porte en elle tous les thèmes chers à l'artiste : les mythes de création, la Terre, la fertilité et ses rites.

Début 2025, à la galerie Templon, Paris, l'exposition Vénus est pensée en lien avec son oeuvre monumentale Les Vénus dionysiennes pour le Grand Paris Express dans la gare Saint-Denis-Pleyel, créée en tandem avec l'architecte Kengo Kuma. Elle réunit des portraits de huit femmes sous forme de Vénus en bronze ou en terre cuite. Lire la suite Fermer

C'est le génie le plus créatif de tous les temps. Enfant illégitime, gaucher, végétarien, distrait, homosexuel et parfois hérétique, son inadéquation aux moeurs de l'époque a décuplé son potentiel d'inventivité. Sa capacité à combiner l'art et la science reste, aujourd'hui encore, la recette ultime de l'innovation.

L'esprit infiniment fécond de Léonard de Vinci, alimenté par une curiosité passionnée, une capacité d'observation hors normes et une imagination sans limites, trouve sa source à la croisée des sciences et de la technologie. C'est en épluchant la chair des cadavres et en dessinant sans relâche les muscles des lèvres qu'il a réussi à peindre le sourire le plus mémorable de l'histoire. De même, son exploration des mathématiques de l'optique et du mouvement des rayons lumineux frappant la rétine est à l'origine des incroyables perspectives changeantes de La Cène.

Sur la base des milliers de pages de ses carnets et des plus récentes découvertes, Walter Isaacson dépeint l'émergence de ce génie. Véritable étude sur la créativité, cette biographie, traduite en 20 langues, nous rappelle l'importance, pour nous-mêmes et pour les générations à venir, de remettre en question nos connaissances, de faire travailler nos imaginaires et, à l'instar de tous les rebelles talentueux, de penser différemment. Lire la suite Fermer

AUTEURS: Eva-Lena Bergstrom, Anna-Maria von Bonsdorff, Michaela Giebelhausen, Monica Grini, Tonje Haugland Sørensen, Alexandra Herlitz, Marja Lahelma, Peter Nørgaard Larsen, Nils Ohlsen, Martin Olin, Susanna Pettersson, Carina Rech, Jessica Sjoholm Skrubbe, Patrik Steorn

Une exploration du développement de la scène artistique, de son contexte socio-politique et du rôle des beaux-arts dans la société nordique du 19e siècle.

Harriet Backet. The Music of Color : Musée d'Orsay (Paris) (septembre 2024)
Pionering Female Artists around 1900 : Ateneum (Helsinki) / Kunstpalast (Düsseldorf) (Spring-Autumn 2025)
Gothic art in the German World : Albertina (Vienna) (September 2025)
Pekka Halonen : Petit Palais (Paris) (November 2025)
Bruno Liljefors : Petit Palais (Paris) (2026

Publié pour la première fois en 1994 et régulièrement réédité et enrichi depuis, «Des histoires vraies» revient cette année pour la huitième fois augmenté de trois récits inédits. Sophie Calle continue à nous raconter ses histoires, dans un langage précis et sobre, avec le souci du mot juste. Tantôt légères et drôles, tantôt sérieuses, dramatiques ou cruelles, ces histoires vraies, toutes accompagnées d'une image, livrent dans un work in progress les fragments d'une vie.

Des couleurs saturées, des compositions symétriques, des ralentis et autres travellings longs... Vous êtes bien dans le monde fabuleux de Wes Anderson ! En une dizaine de films seulement, le cinéaste a forgé un style reconnaissable au premier coup d'oeil. Mais, au-delà de cette apparence volontiers rétro, que nous racontent ses films ? De Rushmore à Asteroid City, en passant par La Famille Tenenbaum, Moonrise Kingdom ou Fantastic Mr. Fox, plongez dans les coulisses. Vous découvrirez un artiste complet, qui maîtrise les moindres détails, pour nous parler de drôles de familles dysfonctionnelles, d'aventures toujours un peu bancales, de personnages fragiles, un brin mélancoliques, mais néanmoins animés d'une sincère fantaisie...

J'invente tout dans ma peinture et ce que j'ai vu ou ressenti, je le stylise.

Pour cette nouvelle exposition de grande envergure, la photographie est à l'honneur au Fonds Hélène et Édouard Leclerc pour la Culture avec la première rétrospective de l'artiste Henri Cartier-Bresson en Bretagne !

Conçue par Clément Chéroux, commissaire et directeur de la Fondation Henri Cartier-Bresson, ce parcours guidé de près de 300 oeuvres parmi les plus connues, mais aussi de découvertes, vous invite à la (re)découverte de cet artiste incontournable. À travers l'histoire de cet oeil multifacette, cette grande rétrospective retrace aussi celle du XXe siècle.

Découvrez l'incroyable destin d'une artiste rebelle devenue une véritable icône.
Fragile, engagée et indomptable, Frida Kahlo a fait de sa propre vie une oeuvre singulière, célébrant à la fois la beauté et l'imperfection. Cet ouvrage richement illustré dépeint l'existence de cette femme libre, profondément marquée par l'amour, l'art, mais aussi par un attachement très fort au Mexique. Il retrace son enfance, la découverte de la peinture, ses relations avec des personnalités hors du commun comme André Breton, Tina Modotti ou Lev Trotsky, sans oublier son mariage légendaire avec Diego Rivera et l'éblouissante Casa Azul où elle passa la majeure partie de sa vie. Une vie colorée, intense, chaotique, qui se lit dans les autoportraits et les photographies d'époque réunis dans ce livre. Frida Kahlo s'y dévoile sans fard : une artiste pionnière, dont la puissance des tableaux fascine encore aujourd'hui.
« Si je me peins, c'est parce que c'est le sujet que je connais le mieux. » Lire la suite Fermer

Cette impressionnante biographie, illustrée de nombreuses reproductions, retrace la vie de Felix Nussbaum, l'un des peintres juifs majeurs du XXe siècle.

Peintre berlinois, Felix Nussbaum quitte l'Allemagne en 1933 pour un périple à travers l'Europe. Felix et son épouse Felka Platek mènent une existence d'exilés pour finalement vivre reclus, en clandestinité, à Bruxelles où ils poursuivront sans relâche leur travail d'artistes. Dénoncés, ils ne reviendront pas du train qui les conduit à Auschwitz.

Mark Schaevers entrecroise les peintures de Nussbaum avec l'histoire qu'elles nous content : les années 1930, l'existence effrayante des milliers d'exilés allemands en France, en Belgique et aux Pays-Bas, la traque, la clandestinité, les déportations.

Ce nouveau livre de dessins de François Delaroziere nous fait découvrir les créatures merveilleuses qu'il imagine à partir de mythes ancestraux et méconnus. Jusqu'à présent, les spectateurs ignoraient ses motifs et les récits qu'il invente pour lui-même quand il conçoit ses animaux. Ce livre contient l'ensemble des dessins de ses créatures imaginaires. À chaque dessin, correspond deux histoires : le mythe qui inspire François Delaroziere et la fable qu'il compose pour donner vie à ses chimères.

À l'instar du golem, le dibbouk fait partie de ces créatures surnaturelles juives qui ont dépassé le domaine de la superstition et la culture juive. À travers sa réception dans le monde des arts (cinéma, théâtre, peinture, littérature), le livre montre que cette figure fantastique opère encore aujourd'hui dans un imaginaire mondialisé. Par l'exploration de ce thème, ce catalogue d'exposition abondamment illustré propose d'appréhender le dibbouk à la fois comme à un objet majeur de la culture juive moderne, mais aussi comme une clef de compréhension de l'identité juive, obsédée par un passé souvent traumatique, par la disparition de ceux qui nous ont précédés et par la peur de se diluer dans la société contemporaine.

Quelle est la première photographie considérée comme étant une oeuvre d'art ?Comment le photo-journalisme est-il né ?Qu'est-ce que la photographie d'avant-garde ?En quoi la photographie a-t-elle influencé la mode au XXe siècle ?Trente historiens de l'art, critiques, experts et artistes ont participé à l'élaboration de cet ouvrage indispensable et complet - repères chronologiques, biographies d'artiste, détails, index - pour nous aider à mieux comprendre l'évolution de la photographie.- Tous les mouvements clés de l'histoire de la photographie- 150 chefs-d'oeuvre incontournables analysés- Plus de 1 200 oeuvres commentées.

Frida Kahlo (1907-1954) vécut une brève existence déchirée entre de terribles souffrances physiques (à dix-huit ans, un accident de bus la cloue au lit pour deux ans) et une immense force de création (elle commence à peindre, un miroir installé au-dessus d'elle, pendant qu'elle est immobilisée). Par-delà sa beauté célèbre, ses amours, celles de son mari, Diego Rivera, ses voyages, les mille et une anecdotes ponctuant une existence tumultueuse et riche, reste son art, dont André Breton disait que c'est "un ruban autour d'une bombe".

Les Trente-six vues du mont Fuji de Hokusai, dont la célèbre gravure sur bois en couleur de la Grande Vague, et les trois volumes des Cent vues du mont Fuji publiés peu après, témoignent de sa quasi-obsession pour un motif unique : le mont Fuji : la montagne, icône de l'art japonais qui possède une valeur spirituelle, est représentée de différentes manières.

PREMIÈRE PÉRIODE (de la fin des années 1790 aux années 1830).

LA NAISSANCE D'UN CHEF-D'oeUVRE MONDIAL. Trente-six vues du mont Fuji a été si bien accueillie que dix autres vues ont été ajoutées, pour un total de 46 vues, toutes incluses dans ce volume, qui comprend également une oeuvre précieuse appelée Ai-zuri, qui a été imprimée à un stade relativement précoce et n'a utilisé qu'une seule nuance de bleu indigo.

LES DERNIÈRES ANNÉES (de la fin de 1830 à l'année de sa mort). C'est une période où il s'éloigne de l'ukiyo-e commercial, qui peut être produit en masse, et peint intensivement dans des formats relativement grands, tels que des rouleaux suspendus et des paravents. Lire la suite Fermer

Roman d'apprentissage et hommage rempli de tendresse, Vivre avec Picasso raconte le quotidien de l'artiste vu par sa compagne, Françoise Gilot. À son contact, elle découvre l'excentricité du peintre un brin manipulateur, ses facéties et ses instants de gravité. À la fois mentor et amant, elle narre sa vie à l'ombre de l'enfant terrible de la peinture.

Avec un relief extraordinaire et un humour sans pareil le mythe et la réalité de Picasso s'exposent dans ce portrait intime, brossant au passage quelques uns des grands hommes de son époque, de Matisse à Chaplin.

Figure de proue du pop art, Warhol, sa vie comme son oeuvre, n'en finissent pas de fasciner ! Il est un des symboles de la vie newyorkaise des années 1960-1980, et ses oeuvres aux couleurs vives, provocatrices et politiques, inspirée de la culture populaire de masse, se sont souvent déclinées en série. De l'oeuvre à la marque, l'univers de Warhol a exercé une influence notable sur toutes les générations d'artistes qui suivirent ! Au fil de bulles hautes en couleurs, voici retracés le parcours d'un génie et la genèse d'une oeuvre fascinante !

Présentation de cet ensemble de figurines où se mêlent art contemporain, art traditionnel, objets manufacturés, artisanat, oeuvres uniques et produits communs, proposant des dialogues visuels entre cultures savantes et populaires, entre générations ou entre différents territoires du monde.