• « Assis sur une couleur qu'on aime, on est plus à l'aise. » Verner Panton.

    La couleur joue un rôle essentiel dans notre rapport aux objets. Cette anthologie, qui réunit meubles, tissus, luminaires et objets de décoration, illustre à quel point la couleur est devenue la caractéristique majeure d'objets emblématiques des cent dernières années. Grâce à des textes courts, Un siècle de design en couleurs présente un panorama historique précis du rôle de la couleur dans le design et son importance grandissante dans la conception. À travers 250 objets qui fusionnent couleur, forme et culture, cet ouvrage montre comment la couleur occupe une place toujours plus marquée, depuis le Bauhaus jusqu'à aujourd'hui.

  • Un guide incontournable et inédit racontant un siècle de design industriel à travers les modèles déposés de 1 000 objets.

    Rassemblant les dessins et modèles déposés de 1 000 objets anonymes ou devenus des icônes du design, indispensables dans nos maisons ou nos bureaux, ce recueil célèbre le génie créatif de designers, d'inventeurs et de rêveurs du monde entier. La diversité des objets est phénoménale :
    Des pièces de Philippe Starck, Charles Eames, Isamu Noguchi, Ettore Sottsass, Raymond Loewy et George Nelson partagent ces pages avec des créations du quotidien telles que des distributeurs de ruban adhésif, des ventilateurs ou des bouteilles, afin de proposer aux lecteurs un livre de référence aussi précieux qu'irrésistible à feuilleter.

  • Ces réflexions exprimées sous forme d'un carnet de notes personnelles sont nourries d'anecdotes et d'exemples illustrés. Pour compléter ces thématiques générales, une partie de l'ouvrage se concentre plus précisément sur le design de livres et la conception de couvertures. L'auteur y décrit avec beaucoup de pédagogie et d'humour différentes manières d'aborder ce travail si particulier d'alliance des mots et du dessin.
    La question que pose Bunpei Yorifuji pourrait être : qu'est-ce que le design graphique, et comment exercer la profession de graphiste aujourd'hui ? L'auteur propose d'y répondre comme à son habitude, en texte et en image, mêlant dessins pédagogiques et recherche approfondie : un livre à mettre entre les mains de toutes celles et ceux qui cherchent à mieux comprendre le métier de graphiste et d'illustrateur et découvrir toutes les questions transversales qui nourrissent cette pratique au quotidien.

  • Pour les Japonais, le concept de design ne se limite pas aux seuls aspects fonctionnels ou matériels : il plonge ses racines dans des rituels et des pratiques cultures anciennes. Les objets sont le fruit d'une réflexion. La rencontre des traditions artisanales et des innovations technologiques donne naissance à des objets à la fois utiles et d'une beauté intemporelle, qui encouragent à leur tour l'invention de nouvelles formes et de nouvelles matières. Au-delà des grandes icônes du design japonais - la bouteille de sauce soja Kikkoman, le tabouret papillon de Yanagi, le Walkman Sony - les produits et les objets nés au Japon au cours des soixante-dix dernières années ravissent l'oeil et forcent l'admiration. En présentant plus de 80 designers et des centaines d'objets, il restera pour longtemps l'ouvrage le plus complet sur le sujet.

  • Figure majeure du design graphique européen contemporain, Wim Crouwel (1928-2019) a marqué l'histoire de la discipline par sa pratique étendue du design, appliquée tant au domaine culturel qu'au domaine commercial. Au cours de sa carrière, il a réalisé à la fois des travaux de création typographique, des identités visuelles, de la signalétique, des affiches, des travaux d'édition, ou encore la scénographie d'expositions.
    Cet ouvrage constitue la première publication en langue française sur le travail de Wim Crouwel, dont l'influence se confirme aujourd'hui auprès des jeunes générations.
    Dès les années 1950, et durant les décennies suivantes, ce néerlandais, dont le rayonnement dépasse largement les frontières des Pays-Bas, est parvenu à développer une approche de la création graphique alliant l'héritage moderniste à la fantaisie du pop.
    À travers trois textes rédigés par Wim Crouwel, Catherine de Smet et Emmanuel Bérard, cet ouvrage témoigne de la diversité de l'oeuvre de Wim Crouwel et revient sur son travail sur les identités visuelles, l'édition, ou la création d'affiches.
    Abondamment illustré, ce livre se concentre tout particulièrement sur la mise en pages des catalogues réalisés pour des musées tels le Stedelijk Museum d'Amsterdam, ainsi que sur la genèse et la présentation du New Alphabet, créé entre 1964 et 1967. Cet ouvrage est une réédition réactualisée de la version parue pour la première fois en 2007 à l'occasion de l'inauguration de l'exposition « Wim Crouwel, Architectures typographiques ? : 1956-1976 » à la galerie Anatome à Paris.

  • Créations, pratiques et méthodes de conception des 60 plus grands designers qui ont façonné et qui façonne encore l'esprit du design français.
    L'ouvrage, Designer(s) du Design, montre les évolutions et la diversité du design français. Il expose les personnalités, les projets, les démarches d'entreprises qui illustrent l'esprit français, épris d'universel, mais aussi les manières dont les designers créent, s'impliquent, transmettent et produisent dans une diversité de pratiques. Il présente les 60 designers français majeurs et de réputation mondiale, comme :
    - Philippe Starck - Jean-Marie Massaud (Hansgrohe, Dior, Renault, etc.) - Matali Crasset (IKEA, Centre Pompidou, musée des Arts décoratifs de Paris, Centre national des arts plastiques, MoMA, Art Institute of Chicago, Mudac, etc.) - Mathieu Lehanneur (Nike, Veuve Clicquot, Audemars Piguet, Kenzo, Hotels Pullman, Cartier, Schneider Electric, JCDecaux, Sony, Huawei, etc.) - Studio collectif de design « 5.5 » (Häagen-Dazs, Scotch-Brite, Roland Garros, Urban Outfitters, Moulinex, Baccarat, Murano, Bernardaud, Veuve Clicquot, Hennessy, etc.) - Inès Le Bihan (Samsung, Ligne Roset, Xiaomi, HTC, Logitec, Facebook, etc.) - Constance Guisset (Bouroullec, Nature & Découvertes, Louis Vuitton, La Cividina, Galeries Lafayette, Novotel, etc.) - Antoine Fritsch (Décathlon, Leroy Merlin, Hermès, Roche Bobois, Krups, Mobalpa, BIC, etc.)

  • Un panorama qui retrace l'histoire du design en replaçant les grands mouvements et les chefs-d'oeuvre dans le contexte social, technologique, esthétique et culturel de leur époque

  • « Je rêve en couleurs, depuis toujours. Et je m'applique toujours à réaliser mes rêves dans les plus petits détails. Je crois profondément que notre attitude en dit beaucoup sur notre capacité à embrasser la vie. Dans notre appropriation des couleurs, ne soyons pas trop sages ! Oser la couleur, c'est laisser parler son instinct, être à l'écoute de ses émotions, et garder ses sens en éveil. ».

    Dans cet ouvrage, la célèbre designer et décoratrice d'intérieur Sarah Lavoine partage avec nous son univers, teinté de couleurs pures, entières, franches, lumineuses, joyeuses. Des couleurs intemporelles, des couleurs qui durent, aux noms évocateurs.

    Pour suggérer la douceur d'un Baby Pink, révéler la profondeur d'un Red Hook, ou expliquer le succès d'un Bleu Sarah, l'auteur revient sur son enfance, nous entraîne dans ses voyages, à la découverte des artistes qui la touchent ; elle nous parle de son quartier, de sa famille, de son besoin de nature.

    Une fois ces teintes apprivoisées, elle nous invite à explorer l'immensité de leur potentiel. Dans l'univers de Sarah Lavoine, les couleurs s'expriment à plusieurs. Pour chaque teinte, de nombreuses gammes et des exemples de réalisations permettront aux plus timorés de se projeter, pour se lancer et créer leur propre cocon. Tout en gardant en tête que, dans cette prise de risque positive, on a tous le droit à l'erreur ! Si on se trompe, c'est simple, on recommence.

    Un livre sensuel, qui nous rappelle que la manière dont nous pensons notre intérieur met en lumière notre âme, et qu'il est facile de définir son style si l'on est sincère.

  • La reconnaissance des bois est une étape indispensable à l'authentification des meubles. Des prélèvements pour une identification au microscope n'étant pas toujours possibles, il s'avère très utile de disposer de critères objectifs de reconnaissance macroscopique des bois des meubles du patrimoine. Cette connaissance n'est actuellement pas écrite ou elle est très partielle et segmentée.
    Dans l'ouvrage sont explicités les caractéristiques macroscopiques de chaque bois mais aussi un historique de son utilisation ou de son commerce.
    Près de 80 essences différentes sont ainsi décrites, puis examinées « en situation » à travers plus de 60 meubles emblématiques conservés dans de grandes collections publiques (Louvre, musée des Arts décoratifs, musée des Arts décoratifs et du Design de Bordeaux, musée Dauphinois, musée de l'École de Nancy...
    Les auteurs abordent également la grave question du commerce international des espèces menacées, régi par la CITES, convention établie en 1973 et signée par 183 pays à ce jour.
    La diversité de l'iconographie rassemblée par les auteurs, qui mêle vues de détails et vues d'ensemble des meubles étudiés, mais aussi des documents anciens et des graphiques spécialement dessinés, dispense un éclairage totalement inédit sur ce matériau fascinant : le bois.

  • Si ses racines remontent à la Renaissance, le design naît au début du XXe siècle, lorsque artistes, architectes, artisans décident d'assumer la production industrielle standardisée et mécanisée et de travailler non plus contre elle et à cause d'elle, mais avec elle et grâce à elle. Derrière l'apparition du mot « design », c'est une nouvelle culture du projet et du prototype qui se fait jour, et qui n'a de cesse d'évoluer depuis.
    En retraçant l'histoire de l'essor et de l'âge d'or du design industriel, puis sa crise d'identité et le renouveau du design contemporain, Stéphane Vial nous invite à comprendre, au-delà de la spécificité d'un métier, l'originalité d'une culture et d'une discipline scientifique à part entière.

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  • Héritier du Garde-meuble de la Couronne et des manufactures royales, le Mobilier national crée, conserve et restaure des dizaines de milliers de meubles et d'objets, destinés à l'ameublement et au décor des édifices publics en France et à l'étranger. Trois cents artisans d'art oeuvrent en son sein, à Paris et en région. Les manufactures des Gobelins et de Beauvais sont vouées à la tapisserie, la manufacture de la Savonnerie au tapis, les ateliers du Puy-en-Velay et d'Alençon à la dentelle, l'Atelier de recherche et de création (ARC) au design, tandis que sept ateliers de restauration se répartissent les différentes spécialités du bois, du métal et du textile.
    Haut lieu de notre patrimoine, le Mobilier national est aussi un acteur majeur de la création contemporaine et de la promotion des métiers d'art à la française

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  • Decorative art 1950s

    Collectif

    Dans le décor de l'après-guerre.
    Design et style des années 1950.
    Publié annuellement de 1906 à 1980, Decorative Art, The Studio Yearbook était consacré aux dernières tendances en architecture, agencement intérieur, mobilier, éclairage, objets en verre, textiles, objets en métal et céramique. Depuis que la publication s'est arrêtée; les rares catalogues sont devenus des pièces de collection.
    Decorative Art 1950 de TASCHEN explore l'esprit d'optimisme et le consumérisme fervent de la décennie. La technologie et la construction avaient été développées pendant la guerre et ces découvertes pouvaient maintenant être exploitées en temps de paix. La popularisation des plastiques, de la fibre de verre, du latex ont formaté la décennie. L'augmentation des revenus et la reconstruction dans l'après-guerre, des deux côtés de l'Atlantique, ont mené à une explosion de la construction de logements dans les banlieues et dans les centres villes, et ces nouvelles maisons reflétaient un nouveau style de vie. Alors que le design européen était extrêmement inventif, le design américain était à la recherche d'une vision idéalisée du futur -et entre les deux, c'est un style moderne qui s'est développé, et qu'on observe de façon très nette dans ces pages.
    Cette vue d'ensemble de la décennie comprend les oeuvres de créateurs tels que Charles et Ray Eames, George Nelson, Hans Wegner et Gio Ponti.

  • Au coeur du paysage magnifique du cap d'Antibes se niche un trésor inestimable, l'Hôtel du Cap-Eden-Roc. Véritable légende de la Côte d'Azur, ce palace existe depuis maintenant cent cinquante années, au cours desquelles il n'aura cessé d'être une source d'inspiration pour ses visiteurs. Aristocrates de haut rang, peintres, réalisateurs, acteurs, poètes et photographes, beaucoup de grands noms y ont séjourné et ont voulu y retourner, régulièrement. Tout au long de son histoire, l'hôtel a accueilli des personnalités qui ont marqué l'histoire de l'art et du cinéma à l'instar de Francis Scott et Zelda Fitzgerald, Pablo Picasso, Marc Chagall, Marlene Dietrich et Rita Hayworth. Cet hôtel mythique est à la fois un endroit d'exception, lieu de rencontres hors du commun, et un second foyer idéal où la douceur de vivre se cultive jusqu'à la perfection.

  • Anglais Olivier dwek

    Philip Jodidio

    • Rizzoli
    • 12 Mai 2021

    Architect Olivier Dwek celebrates the twentieth anniversary of his firm with a new book highlighting his signature style of modern European luxury.

    A virtuoso of volumes and a master of light, Brussels-based architect Olivier Dwek shapes buildings and interiors that are inhabited by a timeless aura. Fluid lines and varied perspectives define monumental structures, enhancing details and contemporary art pieces in both private and public spaces, all imbued with serene elegance.

    Ranging from Greek vacation homes to Parisian townhouses, this volume celebrates the refined approach that marks Dwek's style while taking the reader on a journey across Europe and the world. Vibrant photographs showcase Dwek's fascination with textures and new uses for materials developed in collaboration with artists and artisans. His skilled use of light, his innate sense of symmetry, and his effortless merging of architectural elements with design details are all apparent in this volume. With texts by architecture expert Philip Jodidio, this printed journey through Dwek's buildings and interiors is bound to seduce architecture connoisseurs and curious spirits alike.

  • Ce quatrième numéro revient sur le concept de mouvement appliqué au domaine du numérique. Depuis l'apparition du GIF animé, en passant par l'évolution des génériques de télévision et les mutations des logiciels d'animation, ce numéro propose une analyse du processus de constitution de l'image animée et interroge sa place dans le monde numérique. En quoi le mouvement constitue-t-il désormais un nouveau langage ? Comment les typographes tentent-ils de s'adapter à ce nouveau paradigme ? Et comment comprendre ce nouvel équilibre entre image fixe et image animée ? À travers sept articles et entretiens, ce numéro tente d'apporter des réponses à ces questions et continue son exploration des liens entre pratiques numériques et design graphique.

  • Decorative art 1960s

    Collectif

    Pop ou hippie?
    Les styles dans le design des années 1960.
    Publié annuellement de 1906 à 1980, Decorative Art, The Studio Yearbook était consacré aux dernières tendances en architecture, agencement intérieur, mobilier, éclairage, objets en verre, textiles, objets en métal et céramique. Depuis que la publication s'est arrêtée; les rares catalogues sont devenus des objets prisés des collectionneurs.
    Decorative Art 1960s revient sur les prémices de la pop, au coeur d'une décennie de mutations sociales, sexuelles et politiques inédites. Toutes les énergies bouillonnantes à travers le monde dans les années 1960 ont engendré un nouveau design. La liberté était dans l'air, les hommes marchaient sur la Lune et plus aucune limite ne bridait la créativité.
    Le concept de «style de vie» s'est réellement imposé et, bien que les premières années de la décennie aient encore vu une rivalité entre l'artisanat et l'industrie, à la fin, l'iconographie ethnique et pop s'était imposée partout dans l'esthétique. La lumière était également incontournable dans le façonnage des intérieurs. La liberté de choix et l'expression personnelle étaient les mots clés pour les jeunes consommateurs, et des personnalités comme Pasmore, Panton, Safdie, Sottsass, Paolozzi et Lomazzi ont fait de leur mieux pour y répondre.

  • Compilant les expressions spectaculaires du futurisme et les tendances écologiques rustiques, ce livre rassemble le meilleur du design des années 1970 dans un volume organisé et édité de main de maître, tiré de la désormais pièce de collection Decorative Art, The Studio Yearbook. À travers les objets en métal, les textiles, la céramique et bien d'autres choses encore, explorez une décennie d'idées foisonnantes, d'écoles et de mouvements radicalement opposés.

  • Charlotte Perriand (Paris, 1903-1999) est une architecte et designer française.

    « Créer un équipement aussi subtil, complexe et sensible que le corps de l'homme, réaliser non seulement les données matérielles, mais créer les conditions de l'équilibre humain et de la libération de l'esprit. Voilà notre tâche. » Charlotte Perriand, Des arts appliqués à la vie quotidienne, catalogue de la Triennale de Milan, 1951

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  • En l'espace de quatorze années fugaces, prise en étau entre deux guerres mondiales, l'école d'art et de design allemande Bauhaus a changé la face de la modernité. Guidée par des idéaux utopiques, l'école développa une fusion révolutionnaire entre beaux-arts, artisanat et technologie, qui s'appliquerait à la peinture, la sculpture, le design, l'architecture, le cinéma, la photographie, l'art textile, la céramique, le théâtre et les installations d'art.

    À la fois communauté intensément humaine et collectif ouvert au public, le Bauhaus fut fondé par Walter Gropius (1883-1969) et compta parmi ses membres Josef et Anni Albers, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Gunta Stölzl, Marianne Brandt et Ludwig Mies van der Rohe. Dans ses locaux successivement installés à Weimar, Dessau et Berlin, l'école encouragea les échanges charismatiques et créatifs entre enseignants et étudiants, tous dotés de styles et de goûts personnels et variés, mais unis par leur idéalisme et leur intérêt profond pour l'oeuvre d'art totale, qui puise dans différentes disciplines et pratiques.

    Ce livre célèbre l'audace novatrice du mouvement Bauhaus, précurseur dans le développement du modernisme et paradigme de l'éducation artistique, au sein duquel la conjonction entre totale libération de l'expression créative et idées d'avant-garde donna naissance à des créations magnifiques et fonctionnelles.

  • Une vingtaine d'artistes ouvrent la porte de leurs lieux de création. Le photographe Éric Garault parvient à saisir l'âme de chaque atelier, en s'attardant sur d'infimes détails, en capturant des gestes fugaces, ou alors à travers des plans larges au grain si particulier.
    Delphine Perret, de son côté, retranscrit les échanges passionnants qu'elle a avec les créateurs, et complète le tout de ses formidables croquis.
    Tous deux, autrice-illustratrice et photographe, ont en commun cette faculté à saisir l'étrangeté, l'émotion et la beauté des petites choses du quotidien. Le résultat est un beau-livre superbe et saisissant, qui séduira tous les passionnés d'illustration.

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