Réédition en facsimilé de la série culte de Sally Mann parue 1988 chez Aperture, At Twelve se compose de portraits de jeunes filles de douze ans à la limite de l'adolescence. Réflexion sur l'innocence, le corps et les symboliques que nous lui prêtons en tant qu'adultes, cette série affirme la détermination de jeunes filles qui ne se présentent pas comme les victimes du regard que le lecteur leur porte mais, au contraire, lui font face avec sérenité.
This volume brings together the most important photographs from the long career of Louis Stettner. Born in Brooklyn, New York, in 1922, Stettner's life would span nearly a century, his work reflecting the unique vision of one of the twentieth-century's master photographers.
Organized chronologically, Louis Stettner presents approximately 190 photographs from Stettner's career, featuring his iconic images of New York and Paris; the architecture of urban wonders such as Penn Station, the Brooklyn Bridge, and the New York City subway; as well as candid and empathetic street photographs of the people who inhabit these metropolitan centers.
While celebrated for his black-and-white works, the book also includes Stettner's works in color, many previously unpublished and unknown. The authors investigate the influence of his experiences as a photographer in World War II on his life and work. They also explore his experience with the celebrated Photo League cooperative and his relationships with photographers such as Weegee, Sid Grossman, Ruth Orkin, and Berenice Abbott. The result is a definitive book on Stettner's photography--making the work of the great lensman available to generations of readers.
En juillet 2022, la Fondation Cartier pour l'art contemporain présente la première exposition de l'artiste aborigène australienne Sally Gabori (c. 19024-2015) en France. À travers une sélection de trente toiles, dont des peintures monumentales de six mètres de long, l'exposition invite à découvrir l'oeuvre singulière et haute en couleurs de cette peintre hors du commun qui compte parmi les plus grands artistes australiens de la dernière décennie.
Dans ce livre, Sally Price, ethnologue et historienne de l'art, met à plat le statut que revêt l'art dit « primitif » aux yeux de la majorité des publics « éclairés » de l'Europe occidentale et des États-Unis.
Son étude magistrale s'appuie sur une enquête menée auprès de conservateurs de grands musées, de collectionneurs privés, de marchands d'art et d'ethnologues.
Elle prend en compte les travaux de critiques d'art comme William Rubin, Kenneth Clark, Henry Kamer ou René Huyghe.
Sally Price approfondit le débat sur la notion objet d'art-objet ethnographique en expliquant les mécanismes multiples - des stratégies d'acquisition aux modèles d'interprétation - qui ont mis en place la déshumanisation de l'Art primitif et de ses créateurs.
La lecture de ce texte s'impose pour comprendre les enjeux actuels et le regard porté sur ces arts dits « primitifs » ; le succès populaire du musée du quai Branly rend encore plus pertinents ses analyses et commentaires qui dressent un tableau de ce que Malraux appelait les « arts primordiaux ».
Cet ouvrage est la réimpression mise à jour en version poche du best-seller de Sally Price.
Le musée du quai Branly consacré aux civilisations d'Afrique, d'Asie, d'Océanie et des Amériques a été le grand projet de Jacques Chirac.
Il devait favoriser le "dialogue des cultures" mais, cinq ans après son ouverture, il semble davantage relever d'un monologue occidental sur les arts primitifs. En cela, il est le révélateur du profond malaise que suscite l'altérité dans une République se prétendant aveugle à la différence. Critique amicale de la part de la plus française des anthropologues américaines, Au musée des illusions commence par le récit, informé aux meilleures sources, de la création du musée.
Il explique comment un dessein présidentiel servant les intérêts de quelques-uns a mobilisé des années durant les moyens de l'Etat, au gré de mésaventures où le grotesque l'a souvent disputé au désordre. Surtout, Sally Price démontre à quel point les concepteurs du musée ont privilégié le spectaculaire au détriment d'une démarche pédagogique. On a rarement vu un tel écart entre les intentions proclamées et un résultat fait d'illusions voire d'erreurs.
Mais l'apport essentiel de cet ouvrage est de pointer la singularité du musée du quai Branly par rapport aux établissements du même genre à l'étranger. Exemple parfait du fonctionnement de l'"Etat culturel" à la française, sa conception a d'abord obéi au principe de laïcité dans son sens le plus large. Les peuples et communautés dont sont issus les objets présentés n'ont guère été consultés et le rendez-vous a bel et bien été manqué.
Bon nombre des questions essentielles auxquelles la France est confrontée aujourd'hui sont donc abordées ici : la place de l'immigration, les fondements de la citoyenneté, la laïcité, le vivre ensemble, l'affaiblissement des autorités politiques... A ce titre, la façade de verre du musée du quai Branly apparaît comme un fragile rempart contre les démons que la société française ne veut pas affronter.
Subtil mariage entre l'anthropologie et l'histoire de l'art, Les Arts des Marrons nous invite à la découverte de ces arts qui forment l'un des ensembles les plus riches et les plus créatifs de l'expression culturelle élaborée par des descendants d'Africains dans les Amériques.
Originaires d'Afrique, les Marrons sont les descendants des esclaves échappés des plantations qui ont lutté contre leurs anciens maîtres pour acquérir leur indépendance dans la forêt des Guyanes aux XVIIe et XVIIIe siècles.
Sally Price et Richard Price, anthropologues américains spécialistes des société afro-américaines depuis les années soixante, ont publié plus d'une vingtaine d'ouvrages sur l'histoire et les cultures des sociétés marronnes.
Ce livre est le fruit d'un travail de plus de trente-cinq ans passé au coeur de ces sociétés, il est une référence incontournable pour tous ceux qui désirent appréhender et connaître les cultures et les Arts des Marrons.
Les collages représentant des scènes du Sud des États-Unis, les peintures fortement influencées par le jazz, ont consacré Romare Bearden comme un peintre majeur du XXe siècle. Sa dimension caribéenne, source d'énergie de l'ensemble de son oeuvre, est paradoxalement moins connue. Cet ouvrage présente pour la première fois le grand peintre américain dans sa période créatrice la plus fertile.
Analysant près de 150 tableaux et photographies, s'appuyant sur de nombreux commentaires et témoignages de Romare Bearden et d'amis comme l'écrivain Albert Murray ou le poète Derek Walcott, les auteurs explorent le parcours caribéen de l'artiste qui a partagé pendant vingt ans sa vie entre Harlem à New York et Saint-Martin dans la Caraïbe.
Painter, sculptor, and video artist Mark Wallinger has created some of the most intelligent and irreverent work of the last 25 years. Winner of the Turner Prize in 2007, Wallinger is well known for his 50-meter sculpture of a white horse standing in the English countryside and a multipart work, Labyrinth, made for the 150th anniversary of the London Underground. Like all titles in this series, the book has 100 color illustrations and a new interview with the artist.
La série Phénomènes documente des lieux de recherche scientifique consacrés à l'analyse et la reconstitution de phénomènes naturels, principalement météorologiques et astrophysiques. Ainsi se côtoient avalanches, ouragans, tremblements de terre, éruptions volcaniques, aurores boréales, mais aussi étoiles filantes, collisions de trous noirs, impacts de météorites, paysages martiens et espace profond de l'univers, méticuleusement mis en scène en laboratoire par les chercheurs et choisis soigneusement par Marina Gadonneix pour leur faculté à faire image. À la faveur d'un constant jeu d'échelle entre le réel observé et sa simulation reconstruite, la photographe interroge la fabrication énigmatique de représentations issues de dispositifs d'expérience, d'observation et de manipulation.
The 607 paintings and one sculpture documented in Volume 4 of The Andy Warhol Catalogue Raisonné were produced during a period of less than three years, from late 1974 through early 1977. In September 1974, Warhol changed studios, moving across Union Square from the sixth floor of 33 Union Square West to the third floor of 860 West Broadway. Like Volumes 2 and 3, Volume 4 is identified with a new studio, where Warhol continued to work for a decade, until he moved into his last studio at 22 East 33 Street on December 3, 1984. Volume 4 may be seen as the first in a series of books associated with one studio that will document an enormously productive ten-year period in Warhol's oeuvre from the mid seventies to the mid eighties.
Quand le jeune néerlandais willem de kooning débarque aux états-unis, en 1926, son projet est plus de "faire fortune" que de s'imposer comme le représentant majeur d'une avant-garde picturale.
Pourtant il contribue dès ses débuts à l'émergence de l'expressionnisme abstrait, adhérant aux conceptions de la nouvelle école américaine par le rejet de la narration, dans un geste pictural qui convoque le corps entier, et l'impulsion autant que le calcul. ses oeuvres sont du reste marquées par ces "contre-forces", où l'élan le dispute à la pensée, la formation académique à la recherche d'une forme qui s'en serait affranchie.
Il est tout à la fois cet artiste qui jette sur la toile l'immédiateté de son geste, et celui qui reprend incessamment son travail, grattant, retouchant, rendant visibles les repentirs, mettant à nu la gestation de l'oeuvre. il est aussi un "renégat" : cinq ans après sa première exposition personnelle (1948), et désormais reconnu, il surprend par un violent retour à la figuration. une série de women voit le jour, des femmes brossées à grands coups de pinceau cinglants.
Pendant plus de soixante ans, cette alternance et intrication des deux manières caractérise sa démarche, à travers une production de figures biomorphiques et d'abstractions comme gagnées par une dimension paysagiste de plus en plus éthérée. de kooning écrivain est à n'en pas douter le premier peintre théoricien de l'époque post-moderne. au fil de conférences organisées à l'initiative de bernett newman, ou au studio 35 à new york en 1949 et 1950, il expose avec une rare clairvoyance son déni de tout style, son aversion pour toute norme.
De manière existentielle, il oppose au "confort de la pure forme" (néo-plasticisme de mondrian, constructivisme, suprématisme) la perte des repères, l'instabilité et le déséquilibre auquel est condamné dorénavant l'artiste mesure de toute chose.
Cet ouvrage, troisième volume de la série "The Big Idea" dans laquelle des experts décryptent une idée ou un concept qui trouve une résonnance dans l'actualité, établit une relations entre le genre, la physchologie, la culture et la sexualité afin de montrer comment les attitudes sociales ont évolué au fils des siècles.
How to build a shed est un guide qui vous conduit pas-à-pas dans la réalisation de votre propre cabane de jardin. Le matériel, les aspects techniques et les différentes étapes sont clairement expliquées et détaillées par de fines illustrations. À la portée de tous, même ceux qui n'ont jamais tenu un marteau !
Sally Hayden, auteur à succès de Coastal Style, visite 12 magnifiques maisons à travers le monde qui célèbrent l'attrait intemporel de la vie au bord de l'eau. Il y a quelque chose de spécial dans le fait d'être proche de vastes étendues de mer et de ciel, de vivre avec des portes ouvertes, de vastes horizons et des couleurs douces - toutes ces choses apportent instantanément un sentiment de calme et d'évasion. Ce livre regorge d'images évocatrices de lieux et d'espaces magnifiques qui vous inciteront à laisser la vie réelle derrière vous et à profiter d'un repos et d'une détente au plus près de la nature. La première section, Inspiration, se concentre sur les éléments clés d'un style facile au bord de l'eau, notamment les palettes de couleurs, les tissus, le mobilier, les accessoires et la présentation. Dans la deuxième partie, Sally explore de superbes maisons côtières qui capturent l'esprit de la vie au bord de l'eau. Il s'agit notamment d'une retraite d'été aérée au Danemark, d'une maison de plage en bardeaux à Nantucket et même d'un phare. Vivre au bord de l'eau n'est pas seulement un régal pour les yeux - il vous incitera également à imiter le chic décontracté, pieds nus, du style estival au bord de l'eau tout au long de l'année, où que vous viviez.
"The sculpture and paintings of 1970-4 are the subject of this third volume of the catalogue dedicated to publishing the complete paintings, sculptures and drawings of Andy Warhol (1928-87). As authoritative and detailed as the highly praised first two volumes, here Warhol's sculptures and paintings of these four years are comprehensively catalogued and illustrated. Early in this period Warhol was concentrating on film and sculpture, as he had been since being shot in 1968, but by late 1971 or early 1972 he was returning to painting and developing his painterly, 'sloppy and fast' style. The volume covers major sculptures, such as the Rain Machine, the series of paintings Mao and Man Ray, and commissioned portraits of important, celebrated and fashionable people of the day - many from Warhol's travels through Europe during this time. It is a time of great transition for Warhol, including developing his relationships with various media and the impact of his first purchase of a Big Shot Polaroid camera. His diaries and the photographs he took on travels and of his subjects enliven the narrative and give intriguing insights into his works of these years and his unique engagement with the culture and society of that time.
"Travail titanesque poursuivant l'inventaire inauguré par les deux premiers volumes qui font d'ores et déjà autorité, ce troisième volume rassemble quelque 700 oeuvres documentant les peintures et sculptures réalisées par Andy Warhol entre 1970 et 1974, notamment des oeuvres récemment découvertes mais aussi des travaux qu'on croyait alors perdus.
Explore the works of one of the greatest artists of all time.
Vincent Van Gogh: 50 Masterpieces Explored is a stunning collection of 50 cards featuring some of the most iconic paintings of this legendary artist.
Each card explores a different masterpiece in intricate detail, offering a deep dive into Van Gogh's creative process, artistic technique, and personal life.
From the vibrant swirls of Starry Night to the delicate blooms of Almond Blossom, these cards offer a unique perspective on the life and work of one of the greatest artists of all time.
Whether you're an art lover, a Van Gogh aficionado, or simply looking for a beautiful and informative deck of cards, Vincent Van Gogh: 50 Masterpieces Explored is sure to captivate and inspire.
Sally Stein has long investigated the role of photography in relation to broader questions of culture and society. This first collection of her selected essays, Close-ups from Afar, brings together essential writings from over five decades, cumulatively demonstrating Stein's distinctive critical approach to the history and proliferation of photography and its role within mass media and contemporary culture. In this richly illustrated volume, Stein turns her astute eye to diverse topics including the rise of colour photography, the place of California in the history of the medium's development, and women and photography between feminism's 'waves', as well as insightful considerations of a host of photographers from Jacob Riis to Helmut Newton, Ansel Adams to Dorothea Lange, Susan Meiselas to Dawoud Bey. She has consistently sought to challenge readers to think afresh about the social uses of photography and their broader contexts and far-reaching effects.
Pour l'édition de cette monographie, le parti pris a été de privilégier une parole d'artiste.
Le livre présente, par ordre chronologique, des oeuvres réalisées entre 1970 et 2022, d'après une sélection précise de George Trakas. Chaque oeuvre est introduite par Trakas avec notes, plans et planches techniques, dessins au fusain, photographies, qui forment la matière d'un récit ponctué de reproductions d'archives. Ainsi, la proposition pour la revue Avalanche (1971), témoin d'une période fondatrice de l'histoire de l'art récente, met en perspective un langage et les fondamentaux de son oeuvre.
Les textes de Kate Linker (1976), Sally Yard (1993) et un entretien mené par Chantal Pontbriand pour Parachute (1978) nous livrent une approche critique de son travail : la dimension phénoménologique, « la jonction environnementale et la disjonction spatiale ».
Quelques textes de catalogues, retranscrits ou reproduits à cette occasion se substituent aux notes de Trakas : Log Mass: Mass Curve, University of Massachusetts, avec Hugh M. Davies ; Self Passage, Louisiana Museum of Modern Art, avec Michael Sheridan ; Quai des Trois-Dents, Parc naturel régional du Pilat / art3, avec Pascale Soleil.
Ce parcours s'achève avec l'entretien entre Joan Jonas et George Trakas en présence de sa fille Maggie, modéré par Alexis Lowry alors conservatrice à la Dia Art Foundation - leurs voix se remémorent les expériences communes à Downtown New York City, expériences humaines et artistiques que certains regardent aujourd'hui avec nostalgie -, et l'essai de Catherine Grout « Initiation des mouvements », qui interagit avec les oeuvres appréhendées au fil de l'ouvrage, analyse la relation au corps, à l'espace mis en tension et à autrui que George Trakas doit à la danse étudiée et pratiquée entre autres avec Simone Forti et Yvonne Rainer.
