Scheidegger

  • Après un premier volet en 2016 consacré aux chefs-d'oeuvre dessinés des collections, le Cabinet cantonal des estampes au musée Jenisch à Vevey (Suisse) dévoile ses pièces maîtresses, signées Dürer, Goltzius, Callot, Rembrandt, Castiglione, van Ostade, Edelinck, Tiepolo, Canaletto, Goya, Corot, Bresdin, Carrière, Bonnard, Vuillard, Picasso, van Velde, Yersin, Lichtenstein, Raetz et bien d'autres. Articulée selon les techniques de l'estampe, la présentation des plus belles feuilles conservées à Vevey revisite d'une manière subjective l'histoire de cette technique de gravure.

  • Institution dédiée aux oeuvres sur papier, le Musée Jenisch de Vevey propose ce traité en français des techniques du dessin, avec des artistes tels que Jean-Baptiste Camille Corot, Max Ernst, Ferdinand Hodler, Guerchin, Jean-François Millet, Louis Soutter et Félix Vallotton. Classé par technique, il invite le lecteur à revisiter les oeuvres de grands maîtres dans leur matérialité.

  • Ce livre en français présente un dialogue entre le célèbre architecte Peter Zumthor et l'historienne de l'architecture Mari Lending, qui porte sur la signification du temps, de l'espace, de l'Histoire et du souvenir dans le contexte du paysage et de l'architecture, entre présent et passé. Il est accompagné d'une sélection de photographies de Hélène Binet, qui appuie ce propos en s'inspirant des abords de l'Acropole à Athènes.

  • Ce catalogue en français accompagne une exposition consacrée à la sculpture de Matisse. D'abord présentée à Zurich puis au musée Matisse à Nice au printemps 2020, cette rétrospective est axée sur la méthode qu'utilisait Matisse pour réaliser presque toutes ses sculptures les plus importantes : il commençait par un modelage d'aspect naturaliste pour abstraire de plus en plus ses figures jusqu'à une stylisation radicale. Mais il conservait les états décisifs comme sculptures autonomes, dévoilant ainsi les étapes du processus de création. Les différentes sources d'inspiration de Matisse - nus photographiques, modèles antiques et africains - ainsi que des photographies montrant l'artiste travaillant la sculpture complètent cette étude.

  • Hodler parallelisme

    Collectif

    Le Kunstmuseum de Berne et les Musées d'art et d'histoire de Genève unissent leurs collections à celles de prêteurs privés et proposent une exposition qui permet d'embrasser la carrière de Hodler et d'établir les liens qu'il nouait entre ses tableaux. L'exposition s'appuie sur une conférence de l'artiste donnée à Fribourg en 1897, « La mission de l'artiste », qui exposait les grands principes de son travail. Il y définissait la notion de parallélisme, dégagée de ses études de la nature et des hommes. Le catalogue de cette exposition montre les correspondances qu'il établit à l'intérieur de son oeuvre, mais aussi entre les tableaux eux-mêmes : parallélisme des compositions, mais également des sentiments qui se répondent d'une toile à une autre.
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  • Cet ouvrage bilingue anglais-allemand se concentre sur une oeuvre des débuts de Sophie Taeuber-Arp, en 1931. Par cette toile, elle s'affirme en tant que peintre à part entière à côtés de ses activités liées aux arts décoratifs.

  • Tomas wuthrich ferme no. 4233 /francais Nouv.

  • Formée à l'Ecole des Arts appliqués de Hambourg, l'artiste suisse Sophie Taeuber-Arp (1889-1943) participa avec son mari Jean Arp à divers mouvements d'avant-garde comme le dadaïsme et l'art concret. Cette très belle monographie s'intéresse à l'ensemble de son oeuvre qui, marquée par la géométrie et le rythme, embrasse toutes les disciplines, de la peinture à la sculpture en passant par la création de meubles et d'objets jusqu'aux travaux textiles.

  • Anglais Dadaglobe reconstructed

    Collectif

    1 autre édition :

  • Un aperçu global des quelque 600 oeuvres sur papier de Ferdinand Hodler données par le collectionneur Rudolf Schindler au Musée Jenisch de Vevey. Du rapide croquis à l'étude d'après modèle, l'ensemble permet d'appréhender les processus créatifs de l'artiste et témoigne du rôle capital que le dessin joue dans son art.

  • Ce livre présente un corpus d'images réalisées en 1968 par les architectes américains Robert Venturi et Denise Scott Brown pour Learning from Las Vegas. Cette étude d'urbanisme publiée en 1972 marqua fortement les esprits , elle révèle une esthétique de la ville américaine comme produit de la culture populaire, avec ses casinos, ses enseignes lumineuses, ses automobiles. Las Vegas Studio rassemble une centaine de clichés qui ont été présentés à Arles pour les Rencontres de la Photographie 2015.

  • En 1918, un groupe de collectionneurs dévoués fonde la Société Graphique Suisse, avec pour objectif la promotion de l'estampe contemporaine à travers de nouvelles commandes. Dès le début, la Société a prescrit que les oeuvres achetées ne pouvaient être vendues, persuadant ainsi d'importants artistes, y compris des artistes internationaux, de concevoir des oeuvres indépendamment des contraintes du marché et d'expérimenter librement. En un siècle, la SGG a publié près de 400 ouvrages, dont des oeuvres d'Otto Meyer-Amden, Cuno Amiet, Meret Oppenheim, Ernst Ludwig Kirchner, Paul Klee, Alberto Giacometti, Silvia Bächli, John M. Armleder, Markus Raetz, Georg Baselitz et bien d'autres. Cette publication reproduit et décrit l'intégralité des oeuvres éditées par la Société.

  • Le Corbusier se considérait autant comme peintre et sculpteur que comme architecte, mais cette partie de son travail a été largement moins montrée que ses bâtiments et projets d'urbanisme. Ce livre met en avant la partie picturale de son travail à travers la collection d'un de ses amis, le sculpteur sarde Costantino Nivola. Dès la rencontre des deux artistes à New York en 1946, alors que Le Corbusier collaborait avec Oscar Niemeyer pour le Siège des Nations Unies, Le Corbusier a conçu deux peintures murales pour la maison de Nivola dans les Hamptons. De là, le sculpteur a continué à s'intéresser au travail pictural de l'architecte, et a constitué un ensemble de six peintures, six sculptures et quelques 300 dessins. Cet ouvrage présente cette collection unique.

  • L'art créé dans le cadre des institutions psychiatriques connaît un intérêt sans précédent, nous faisant considérer d'un nouvel oeil cet « art des fous », d'une part comme une forme d'art à part entière et d'autre part comme une ouverture vers une meilleure compréhension de ses maladies. Ce livre est l'aboutissement d'un projet mené par l'Université des Arts de Zurich qui documente la production artistique des asiles et hôpitaux psychiatriques à travers la Suisse au tournant du XXe siècle. On y découvre des oeuvres extrêmement variées, réalisées avec passion et détermination, tout en faisant preuve de techniques artistiques innovantes. Ces oeuvres défient notre compréhension et notre vision de la maladie mentale en définissant de nouveaux contours à ce que nous considérons comme art.

  • Anglais Soviet design

    Krasnyanskaya Kristi

    Contrairement à l'architecture et au design graphique de l'époque soviétique, le design d'intérieur de cette période n'a pas été étudié de manière approfondie. Pour la première fois, ce livre propose un aperçu complet de la décoration intérieure soviétique, du constructivisme et de l'avant-garde révolutionnaire au modernisme tardif. Basées sur des recherches approfondies et sur des archives auparavant inaccessibles, Kristina Krasnyanskaya et Alexander Semenov documentent sept décennies de design d'intérieur en Union soviétique, des années 1920 aux années 1990. Avec quelque quatre cents illustrations et de nombreux documents inédits, cet ouvrage se veut une véritable référence sur le sujet.

  • Réédition d'un ouvrage paru en 2008 et épuisé. L'artiste suisse Max Bill fut l'un des plus importants représentants de l'art concret et une figure-clé des arts appliqués et de l'histoire de l'art en Europe. Par ses professeurs Paul Klee,Vassily Kandinsky ou Walter Gropius, il acquiert une vision globale de l'art qui le pousse vers des pratiques aussi diverses que la peinture, la sculpture et le design au début de sa carrière dans les années 1930. Fondateur de l'École supérieure de Design d'Ulm où il enseigne, Max Bill perpétue dans son oeuvre l'héritage du Bauhaus, aussi bien en tant qu'artiste que professeur.

  • À la fin du XIXe siècle, les illustrateurs se prennent d'un fol engouement pour la couleur dans la lithographie. C'est le début d'un renouveau du genre qui va transformer la production graphique au tournant du siècle. Ce catalogue en français accompagnant une exposition au musée Jenisch de Vevey présente plus de 200 illustrations liées à l'estampe française en couleur, retraçant ainsi son évolution, ses sources et ses enjeux, avec notamment Pierre Bonnard, Paul Gauguin, Odilon Redon, Paul Signac, Édouard Vuillard, and Henri de Toulouse-Lautrec et de nombreux impressionnistes.

  • Ce catalogue publié à l'occasion d'une exposition au Musée des Beaux-Arts de Winterthur présente 130 dessins du maître suisse, dont de nombreux inédits. Qu'il s'agisse d'études pour des peintures ou de dessins indépendants, ces travaux témoignent de l'évolution de l'artiste et de ses grands thèmes : paysages, natures mortes et nus y occupent une grande place.

  • Situé au bord du lac de Zurich, le pavillon d'exposition de Le Corbusier est son dernier projet réalisé. Basé sur son système proportionnel Modulor et à l'échelle d'une maison unifamiliale, il démontre le potentiel des éléments préfabriqués pour former un espace parfait pour l'art et le design. Les architectes Silvio Schmed et Arthur Rüegg ont soigneusement restauré le Pavillon Le Corbusier dans son état d'origine, y compris la reconstruction de meubles et de luminaires manquants. Ce livre documente leurs recherches et le bâtiment restauré, présentant des photographies et des documents historiques inédits, ainsi que des images récemment commandées par Georg Aerni. Avec une préface de Wiebke Rösler Häfliger et des contributions d'Arthur Rüegg & Silvio Schmed et de Roger Strub.
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  • Ca catalogue accompagne une exposition au Museum Rietberg à Zürich, du 22 octobre 2019 au 11 mars 2020.Pour la première fois, celle-ci présente des objets ainsi que des photographies ramenées de son séjour au Congo en 1938/39 par l'ethnologue Hans Himmelheber: masques décorés, statuettes imposantes et objets du quotidien réalisés de façon artistique. Ces oeuvres côtoient des positions contemporaines d'artistes congolais renommés.

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